_para ver e rever_

Perfume de mulher

albertodossantos — Mon, 08 Jun 2009 23:25:14 +0000

Não consigo gostar do Al Pacino, que em todos os filmes faz o mesmo papel, o de Al Pacino. Aqui, ele representa Al Pacino cego. Também não gostei do filme, piegas e com final à moda americana. Mas esta cena merece estar numa antologia porque tem alma, e sua alma é a música de Gardel.

“Por una cabeza” é um tango deslumbrante. É uma das coisas mais tristes que já escutei, de uma tristeza tocante e patética, soluçante. Há músicas que choram baixinho, sussurrando. Esse tango chora de boca aberta, uivando, arrancando os cabelos. Esse tango explica melhor o personagem do velho militar cego do que todos os trejeitos de Pacino. Basta escutar a música para entender o sentimento de remorso e revolta de alguém que perdeu tudo “por uma cabeça”, por um triz, por causa de um segundo de confiança excessiva.

Depois de ver esta cena continuei detestando o Pacino, mas não consegui deixar de respeitar o seu pobre personagem.

Boogie Nights

albertodossantos — Mon, 01 Jun 2009 22:56:10 +0000

Boogie Nights é um filme injustiçado. E é uma baita ousadia de um diretor quase-estreante, que reuniu um elenco de estrelas e se atreveu a fazer um filme sobre os bastidores da indústria do cinema pornô, sabendo de antemão o quanto o tema afastaria o público. O filme é excelente, e esta cena de abertura é, como diz o ditado, o dedo pelo qual se conhece o gigante.

São três minutos de um plano-sequência que beira o impossível. O operador de steadicam Andy Shuttleworth começa trabalhando no alto de uma grua, e por volta dos 0:45 segundos vai para o chão (sem solavanco e sem corte), entra no clube e faz malabarismos em volta dos personagens: a cena apresenta todo o elenco principal.

O vídeo teve a faixa de áudio desativada por questões de direitos autorais. Mas assim é até melhor, permite prestar mais atenção na exuberância técnica da cena. Não achei um vídeo com som, se alguém achou por favor me avise.

A cena é estudada em escolas de cinema nos EUA. Quem tiver curiosidade pode ver a cena com comentários do diretor (inglês, sem legendas), numa dessas aulas, aqui no link > http://www.youtube.com/watch?v=t32Go3vMLH4 <

A marca da maldade

albertodossantos — Mon, 01 Jun 2009 22:24:14 +0000

Noir é meu gênero preferido, Orson Welles é um dos monstros sagrados do cinema, e sou louco por plano-sequência. Daí que a famosa abertura de “A Marca da Maldade”, de 1958, não podia ficar fora desta antologia. Três minutos e meio, uma câmera rodando sem cortes, um grua acrobática, uma apoteose de planos indo desde o super-close-up até o plano geral e voltando ao close, dezenas de figurantes e veículos num balé sincronizado, Charlton Heston… E a cena não é gratuita, apresenta suficientemente os dois protagonistas e o ambiente, que é quase um terceiro protagonista.

Se fizermos uma tosca analogia entre cinema e futebol, o plano-sequência é a “pedalada” do diretor de cinema, a “bicicleta”, o “chapéu”. E essa abertura dirigida por Welles é um gol de placa.

Cantando na chuva

albertodossantos — Mon, 01 Jun 2009 00:14:26 +0000

A função da arte é evocar emoções no contemplador. Não se pode simplesmente convocar uma emoção, embora alguns pseudo-artistas pensem que podem fazê-lo. Não basta mandar o ator chorar e colocar uma música melosa ao fundo, como quem diz ao espectador: “Ei, panaca, fique comovido”. É preciso domínio pleno da linguagem artística para arrancar do consumidor da arte a emoção pretendida pelo criador.

Ora, o peculiar no cinema é a sua linguagem, a conjugação de texto, representação, música, cenário e a capacidade de dirigir o olhar do espectador para o ponto que se quer destacar. Nesta cena eu vejo uma magistral demonstração de que como se pode conjugar esses recursos expressivos harmoniosamente para transmitir algo que não cabe nas palavras, ou seja, a emoção do personagem apaixonado. Não é o texto da melodia que evoca no espírito do espectador a compreensão do que sente o personagem: é o conjunto de música, cenário, coreografia, interpretação, luz que se juntam para evocar no receptor o análogo da emoção amorosa. Pode-se desligar as legendas, e mesmo quem não entende inglês ao assistir a cena entenderá perfeitamente o que se passa na alma alvoroçada do ensopado e exultante cantor.

É uma cena romântica, adocicada, por fora. Por dentro é um exemplar do profissionalismo da indústria cinematográfica norteamericana. Stanley Donen e Gene Kelly resolveram fazer uma cena que provocasse no público “um sentimento glorioso”, e a fizeram com precisão cirúrgica e eficiência de máquina. E conquistaram, com esse trecho musical, um lugar merecido na história do cinema.

A vida de Brian

albertodossantos — Sun, 31 May 2009 23:51:22 +0000

Monty Phyton é sinônimo para humor genial, e A Vida de Brian é, para mim, o momento sublime na carreira do grupo. E a cena a seguir é antológica em duas categorias: a dos melhores finais de filmes, e a das cenas musicais inesquecíveis.

Quanto à primeira menção, é fácil notar que num filme cujo humor é baseado essencialmente na ironia a cena final aqui mostrada representa o auge, o cúmulo da ironia, o coroamento harmonioso para tudo o que se viu antes. Difícil pensar num final que seja mais coerente com o espírito do filme que ele encerra. Esse final é “a cara” do Monty Phyton.

Depois, é escandalosa a contradição entre a canção (pelo menos a canção original, e não a versão perversa aqui cantada) e o contexto da cena, e isso é que faz desse final uma pérola do humor – humor negro, é claro.

Muitos filmes tentaram fazer rir da morte. Este é um dos que consegue.

Magnolia

albertodossantos — Sun, 31 May 2009 23:25:17 +0000

Assim, fora do contexto, a canção não impressiona muito. Mas dentro do filme ela é um toque de atrevimento que mostra a diferença entre um diretor apenas bom e um diretor genial.

A ação plurifocalizada deste filme coral vai envolvendo o espectador numa espiral emocional crescente e, no ponto exato onde a tensão atinge o ápice, a canção pega a audiência sensibilizada e despreparada.

É meu exemplo preferido de “timing” na montagem cinematográfica, uma demonstração de como o trabalho de direção pode ser hábil para manobrar a emoção da audiência e produzir sentidos.